Un rendez-vous qui tarde...

Il faudra la rencontre de deux domaines du savoir pour que naisse la photographie : l'un d'ordre physique (optique) et l'autre chimique.
On avait observé depuis quelques siècles déjà (Robert Boyle, dans les années 1600, Angelo Sala, au début du 17^e s.), que certains composés d'argent étaient noircis lorsqu'exposés au soleil; de même, certains liquides (Johann Schulze, 1727) changeaient de couleur. Mais il n'était pas clair à ce moment, si ces changements étaient dus à l'action de l'air, de la chaleur ou de la lumière.
Quant à l'optique, on connaissait depuis 800 ans (la première photo date de 1826) les propriétés du sténopé, l'ancêtre de la caméra. Au 10^e siècle, Hassan ibn Hassan, un Arabe décrit le phénomène; si on se trouve dans une pièce totalement obscure et que l'on pratique une petite ouverture dans une des parois, on trouvera sur la paroi opposée, une image inversée de ce qui se trouve à l'extérieur, devant l'ouverture. Il précise que l'image sera d'autant plus nette que l'ouverture est petite.
Dès le 16^e s. Léonard de Vinci décrit et dessine (en 1519) ce qu'il nommera « camera obscura » (chambre noire). Plusieurs artistes s'en serviront pour tracer leurs dessins sur papier calque; la perspective rendue facile! Certains d'entre-eux refuseront de l'admettre, mais des historiens soupçonnent Canaletto (1697 - 1768), Vermeer (1632 - 1675), Joshua Reynolds (1723 - 1792), entre autres, d'y avoir eu recours à l'occasion.

La toute première photo.

En 1826, Nicéphore Niépce (1765 - 1833), un Français, réussit la première photographie : par une fenêtre, une vue de sa cour par une belle journée ensoleillée. Le temps d'exposition est si long (8 heures!) que, le soleil s'étant déplacé, la lumière semble provenir de deux directions différentes.

Cette image de son pigeonnier, floue et peu détaillée, est d'intérêt surtout historique.

En 1851 apparaît le procédé au « collodion humide », un liquide visqueux qui en séchant produit une mince pellicule transparente. Grâce à lui, une émulsion sensible peut enfin adhérer à une plaque de verre. Le procédé réunit les qualités du daguerréotype et du calotype : une image de grande qualité pouvant être tirée à plusieurs exemplaires. De plus, cette émulsion est beaucoup plus sensible à la lumière, ce qui permet de réduire les temps d'exposition à 2 ou 3 secondes. Autre aspect non négligeable, il est plus abordable : il en coûte le dixième d'un daguerréotype pour une épreuve au collodion. Parmi ceux qui ont eu recours à ce procédé, signalons Lewis Carroll (1832 - 1898);  l'auteur de « Alice... » était aussi photographe en son temps.

Cependant, le procédé n'est pas d'usage facile, en particulier pour les prises de vues extérieures qui obligent le photographe à traîner une chambre noire mobile! Comme son nom l'indique, la plaque devait demeurer humide durant toutes les étapes : sensibilisation de la plaque, exposition et développement.

Ce procédé donc, bien qu'il permette de produire et de reproduire des images de qualité, n'est pas très pratique en plus d'être quelque peu risqué. Le collodion est non seulement inflammable mais aussi explosif! Plusieurs photographes y ont laissé leur chambre noire, leur maison, certains leur vie.

Les recherches s'orientent donc vers un procédé « sec ». La découverte de la gélatine et l'invention du celluloïd dans les années 1860 mènent à la création du premier support flexible par George Eastman, en 1884. Quatre ans plus tard, il lance sur le marché le Kodak; la photo est maintenant accessible au grand public. Jusqu'à ce moment, le photographe devait être à la fois artiste et chimiste; il « fabriquait » des photos. Avec le Kodak, on « prend » des photos et on laisse à d'autres la préparation du film et son développement. Le Kodak est vendu chargé d'un film de 100 poses qui, une fois exposé, est retourné avec l'appareil pour le développement. On le récupère ensuite chargé d'un nouveau film.

En 1907, les frères Auguste et Louis Lumière, à qui nous devons le cinématographe (1895), inventent le premier procédé couleur, l'Autochrome, dont voici ce que certains reconnaissent comme étant le premier exemplaire (ci-contre).

Sur une plaque de verre enduite d'une émulsion panchromatique (noir et blanc), on étendait une mince couche de particules de fécule de pomme de terre, teintes des couleurs primaires (bleu, vert et rouge), qui faisaient office de filtres lors de la prise de vues.

Ce procédé, utilisé jusque vers les années '30, ne fut jamais adapté pour le film ciné.

Comment les contemporains ont-ils accueilli la photographie?

Un peu comme nous accueillons l'informatique!

Euphorie pour certains, et très rapidement pour plusieurs, qui pouvaient enfin créer des images (ou croyaient pouvoir le faire...) sans s'astreindre au long apprentissage du dessin.
Inquiétude cependant pour les peintres qui voyaient leur art, leur gagne-pain, menacé par cette invention. On prête même à Paul Delaroche (1797 - 1859), un peintre illustre de cette époque, une déclaration à l'effet que « la peinture était morte, appelée à disparaître »! Ceci était particulièrement vrai pour les miniaturistes, des peintres spécialisés dans le portrait de petit format. L'invention de l'appareil photo « Carte-de-visite » par Disdéri (1819 - 1890), en 1854, leur a porté un dur coup.
Après des débuts modestes, Disdéri connaît sa chance quand Napoléon III, en route vers l'Italie avec ses troupes, s'arrête à son studio pour faire prendre sa photo (ci-contre). Du jour au lendemain, il est célèbre! Des photographes entreprenants partent alors à la poursuite des célébrités de l'époque et les gens commencent à collectionner ces petites cartes photo plus qu'abordables à l'époque.

Certains, qui voyaient l'Art (avec majuscule cette fois) concurrencé par cette machine, ont même exprimé leur mépris. Baudelaire, commentant une exposition photographique en 1859, est d'avis que la photo devrait être au service de la science et des arts, et encore, un bien humble serviteur. Il considère les coloristes, ces peintres qui colorent des photos en noir et blanc pour certains studios, comme étant des ratés de peu de talent...

Ce qui ne l'a pas empêché de prendre la pose devant le photographe Etienne Carjat, en 1863!

La photo se cherche.

Malgré l'enthousiasme que la photographie a suscité au départ, des questions commencent à surgir...
Le fait de pouvoir créer des images saisissantes de réalisme ne séduit plus tout autant. Le milieu des arts et son public n'accordent pas à la photographie la même reconnaissance qu'à la peinture (c'est encore vrai pour certains aujourd'hui...); la précision de ses images devient même un défaut. On lui reproche de faire des portraits « sans âme », froids, et les nombreuses scènes du quotidien qu'elle présente ne sont même pas des sujets recevables pour la peinture. On ne sent pas l'artiste, son « coup de pinceau » dans une photo; en fait, quiconque possède la machine peut en faire autant!

Durant la deuxième moitié du 19^e siècle, des photographes commencent à se regrouper dans des sociétés. Conscients du modeste statut accordé à la photographie et aussi sensibles aux tendances artistiques qu'ils côtoient (dont l'impressionnisme), ils jettent les fondements du premier mouvement photographique, le pictoralisme. Le sujet lui-même passe au second plan; ce sont les qualités esthétiques de l'image qu'on en tire qui font foi de tout, et ces photos se donnent des airs de peintures! Apparaissent alors des images volontairement plus floues, manipulées au tirage, texturées, l'assemblage de plusieurs prises montées en une seule image, les mises en scène rigoureuses, etc.
Ci-contre, « Les laveuses » de Constant Puyo (1857 - 1953), figure dominante du Photo-Club de Paris (créé en 1894).

Ce mouvement a exercé son influence partout et a valu à cette photographie « artistique » une meilleure reconnaissance du milieu des arts. Cependant, cette nouvelle approche n'était pas vraiment la voie à suivre pour que la photographie puisse enfin affirmer son originalité, sa personnalité propre.

La photo se trouve.

En 1902, aux Etats-Unis, des artistes d'avant-garde, avec à leur tête Alfred Stieglitz (1864 - 1946), forment le groupe Photo-Secession, et ouvrent en 1905 la galerie « 291 » (291 Fifth Avenue, New York) qui, en plus des photographes contemporains, présente aux Américains les oeuvres de Picasso, Rodin, Matisse et Toulouse-Lautrec.

Au pictoralisme, ils opposent la « straight photography ».

La photo se trouve enfin : finies les manipulations de l'image, la photo se distingue par le regard qu'elle seule sait poser sur le sujet. Un regard concentré sur les structures, les formes, la lumière, reconnues et saisies du monde réel, et conduisant à une composition telle qu'aucun artifice ne sera requis au tirage. Une photographie qui aussi, grâce aux films plus sensibles et aux équipements moins encombrants, descend dans la rue et nous propose des sujets pour lesquels les pictoralistes et les autres artistes avaient manifesté peu ou pas d'intérêt.

La section « Des maîtres » présente plusieurs photographes dont le travail a été grandement influencé par la « straight photography ».